sábado, 31 de diciembre de 2022

Marte y Venus sorprendidos por los demás Dioses; de Joachim Wtewael


 Traigo a mi pinacoteca virtual este cuadro, porque me ha gustado el tema y las expresiones de los personajes que participan, este autor tiene otros cuadros del mismo tema, de Venus y Marte sorprendidos por Vulcano:



Pero a mi me gusta más el de Venus (Afrodita) y Marte (Ares).  soreprendidos por los demás dioses.


La historia es que Venus, estando casada con Vulcano, tenía a Marte como amante y Apolo (Elios)  los descubrió y fue a contárselo a Vulcano.
Vulcano (Hefesto) no se lo tomó bien e ideó una trampa para pillar con las manos en la masa a los dos amantes; fabricó una red que atraparía en el lecho a los dos amantes y así fue como los pilló.
El pintor aquí no muestra red alguna pero easi es como el mito nos lo narra.

Vulcano era un Dios de poco atractivo fisico y lisiado,  pero buen marido en cuanto a proporcionar a Venus una vida agradable.

La unión entre Venus y Vulcano no fue por amor mutuo, cuenta el mito que Venus fue un regalo de la diosa Hera, madre de Vulcano.

Al parecer y según Homero,  la diosa de la belleza se vió seducida por la gallardía y belleza de Marte, convirtiéndose en su amante.
Apolo, que es el Dios sol, una mañana los vio juntos y  fue decirle a Vulcano, que su esposa tenía una relación amorosa con su hermano Marte; Vulcano le rogó a Apolo que no dijera nada hasta que ideara algún modo de desenmascararles.

Vulcano tejió una red que colocó en la cama, de modo que cuando los amantes estuvieran en el lecho, la red caería sobre ellos atrapándolos y así fue.

Cuando la red cayó sobre los amantes, Vulcano hizo acto de presencia y llamó al resto de dioses, para que fueran testigos de la deslealtad de su esposa y de su hermano. 

Cuando los dioses aparecieron,  censuraron a los dos amantes y el matrimonio entre Venus y Vulcano se  fue disuelto, yéndose Venus a Creta y Marte a Tracia.

La unión de la belleza y el deseo más el coraje guerrero, debió de generar  coitos espectaculares y de esa unión nació Armonía,   hija de ambos,  al  menos según la mitologia de Tebas, porqe en otras fuentes, Armonia es hija de Zeus, pero al parecer lo más aceptado es considerarla como hija de Venus y Marte y es que como dice la sabiduría popular, en el centro está la virtud; Venus representaba a la fuerza del elemento femenino (la Tierra y el Agua) y Marte a la fuerza del elemento masculino, (el Fuego y el Aire).
La armonización pone limites a las pasiones desenfrenadas y hegemónicas  de los dos elementos fundamentales, la tierra y el fuego; las relaciones amorosas son con Armonía, más equilibradas en donde la pasión y el deseo se hacen más suaves y equilibradas y  no sometidas a la voluntad de una parte.



El sol no te necesita

 No, el sol no nos necesita para salir todos los dias, de modo que es mejor no creer que el mundo nos necesita.

A veces nos olvidamos de que quien nos necesita de verdad, somos nosotros mismos a nosotros mismos.

viernes, 23 de diciembre de 2022

Ivan Gorokhov, el triunfo de la perseverancia

 Ivan Lavrentievich Gorokhov, pintor nacido en 1863 en Beli, localidad relativamente cercana a Moscú.


autorretrato


De extracción social humilde, su trayectoria en la primera parte de su vida fue difícil debido a esta circunstancia;  su familia no podía pagarle los estudios de arte pero afortunadamente, su talento fue conocido por el terrateniente Vladimir Von Meck, que le dio soporte económico y gracias a ello pudo estudiar en Moscú, en la  Escuela de Pintura. Escultura y Arquitectura de Moscú.

Las dificultades económicas siempre se lo pusieron muy difícil, pero tuvo sus logros, se graduó con un   éxito notable en 1886 en esa misma escuela. 

Fue galardonado por la escuela de Bellas Artes de San Petersburgo por el cuadro "la convalesciente".

la convaleciente 


La falta de suficiente apoyo económico y de personas influyentes que le hicieran encargos, le obligó a regresar a su localidad natal, lo que le significó grandes obstáculos para proyectarse como artista e incluso para obtener los útiles necesarios para su trabajo creativo.

Participaba en exposiciones y subastas y su obra fue distribuyéndose en  colecciones privadas y en 1893  es miembro de la Asociación de Expositores Itinerantes, lo que permitió que sus obras fueran siendo conocidas.

De 1905 a 1930, se dedicó a la enseñanza de arte en la Escuela Real de Mozhaisk.

Pintor de género, reflejó las condiciones de vida del pueblo humilde.


Después de la Revolución de Octubre, se dedicó al llamado realismo socialista y el ideal revolucionario, de este periodo no queda prácticamente nada, destruido por los nazis durante la II Guerra Mundial y lo que queda está en poder de colecciones privadas. 

Gorokhov murió en 1934 en Mozhaisk, en donde está enterrado.

La trayectoria de este pintor es un ejemplo de perseverancia, esfuerzo fe en uno mismo. 


El cuadro que me ha gustado para traerlo  al blog, es este de la niña observando a unos gatos.



Me gusta ver en el arte el reflejo de la vida cotidiana y de las condiciones de vida de las personas; la niña observa  comer a los gatos; se aprecia la escace de recursos y el pintor nos regala con un momento de evasión de la niña.


Desconozco si la niña es hija es familia del pintor, algo que suele  ocurrir en muchos autores;  el entorno del cuadro aparecerá en otros cuadros.


 En esta otra imagen, podemos ver la estancia con otra panoramica y también con una narrativa diferente; un padre borracho que atemoriza a la familia.

El niño en el centro divide el cuadro en dos partes cada una con su narrativa; nos dibuja una expresión de ira contenida e impotente en el muchacho, que con el puño cerrado muerta su hostilidad.

En el otro lado del cuadro, vemos a la madre que contiene su ira amparando y protegiendo a sus hijos pequeños.




El mismo entorno y una escena feliz; la niña mira sonriente hacia adelante con un gesto alegre. 


Otros cuadros:





 

El ermitaño y la virtud de la prudencia

 

 





En el mazo del tarot están representadas las llamadas cuatro virtudes cardinales; no es algo tan extraño dado el origen renacentista de este mazo de cartas. 


Cuando buscamos una carta del Tarot que haga referencia a la Prudencia, como una de las virtudes cardinales, a diferencia de las demás en las que es muy evidente, la carta de la prudencia hay que hacer el esfuerzo de identificarla según sus cualidades.

Hay quien la identifica con la sacerdotisa, yo me inclino a pensar en el ermitaño.

La imagen del ermitaño es la de alguien que camina en la oscuridad y alumbrado tan solo por la luz debil de un candil.

Esto viene a simbolizar varias cosas, quien camina de ese modo, centra su atención en su camino y camina lento, porque no sabe qué hay allá en donde la luz no alcanza.



No se apresurará en su camino ni se distraerá por otros estimulos que puedan haber a su alrededor y eso, nos habla también de introspección.

El ermitaño busca sobre si mismo el conocimiento a través de la reflexión.



Es una carta que nos recuerda la imagen de Diogenes de Sinope, el cínico.

Diogenes era un filosofo de la moral; como Diogenes, el ermitaño busca la sabiduría presicindiendo de todo y de ahí la oscuridad que le rodea, no quiere ver nada de cuanto hay a su alrededor, porque no le importa, es más una molestia.

En realdiad, para él, la oscuridad estaría en todo aquello que el mundo le puede ofrecer.



El cristianismo tendrá en la forma de vida de los ermitaños, la correspondencia con ese rechazo de cuanto el mundo ofrece, para poder acceder a la Sabiduría de Dios, a través de la renuncia a todo, desprendimiento.

Como dice el evangelio cristiano en I de Corintios 2:7

...Mas hablamos de sabiduría de Dios en Misterio, la sabiduría oculta, la cual Dios predestinó antes de los siglos venideros...”



La prudencia era conocida por los griegos con la palabra Phronësis, que significaba sabiduría.

Para Aristóteles, la sabiduría es el eje sobre el que ha de girar la practica de la moral, de la vida entendida como una practica correcta.



Las consecuencias de la guerra y el Gernica

Llega un momento en el somos los padres quienes empezamos a aprender de nuestros hijos.

Me di cuenta de que mi hija lleva como fondo de pantalla del teléfono el cuadro de las consecuencias de la guerra de Rubens.
No conocía este cuadro de Rubens, pero lo que más me llamó la atención, es que mi adorable hija me djera que fue este cuadro el que inspiró a Picasso a pintar el Guernica.
Y entonces me dije. -Pues he de compararlo.
Pues es verdad.
 Marte arrasa con su furia sin considerar las consecuencias que su acción provoca.
Enfermedades, pobreza, dolor, destrucción de todo lo bello y armonioso.





Picasso lo que hace es invertir el cuadro de Rubens.

 Y se identifican  fácilmente a los personajes del cuadro de Rubens en el cuadro de Picasso.


Personalmente prefiero el cuadro de  Rubens, es más gráfico, me hace entender mejor lo que quiere decir, y no porque en el cuadro de Picasso no se respire el drama de la guerra, pero precisamente porque el cuadro de Rubens pone elementos simbólicos más identificables, me resulta más cómodo y fácil e entender y mucho más completo.

¿Veis como es bueno escuchar a los hijos?

Arte: Los Embajadores





Uno de mis cuadros favoritos y con el que inicio otra sección de mi Blog, en la que pondré mis obras de arte favoritas.

Este es un cuadro de Hans Holbein el Joven,  (1497-1543).

Se trata de un retrato de de Jean de Dinteville y se supone que el Obispo George de Selve.
Los personajes del cuadro están a los lados,  resaltando los objetos que están en el centro,  de modo que adquieren relevancia.
El cuadro fue encargado por Jean de Dinteville y posee muchos detalles que quizá él quiso que quedaran reflejados, o fue el pintor,  aunque tiene más sentido pensar que fue quien encargó la pintura, el que quiso transmitir con el cuadro un sentido o mensaje simbólico a partir de la exposición de todos esos objetos.
Dinteville lleva una medalla de la Orden de San Miguel, una orden de Caballería fundada en Francia por Luis XI.
El reloj de Sol señala la fecha del 11 de Abril de 1533, dos meses antes de que el Papa excomulgara al Rey Enrique VIII.
Todos los instrumentos científicos nos recuerdan que estamos en el Renacimiento, que todo lo relacionado con la Fe y con la formas de relación entre el hombre y Dios están cambiando.
Como Embajador de Francia en Inglaterra, Dinteville vive de cerca la ruptura de la iglesia anglicana con el vaticano, podemos observar en la esquina izquierda del cuadro a  un Cristo parcialmente oculto,  sugiere la idea de un cristianismo dividido.
En el año 1530, el Emperador Carlos V intentó conseguir que los protestantes y los católicos se pusieran de acuerdo y lograran alcanzar una misma doctrina.
Hay un elemento que hace referencia a esa búsqueda de unidad, es el libro de Himnos Luteranos que figura en el cuadro, escrito por el músico Johann Walter ,  abierto en una partitura. Y la pregunta es ¿Qué hace un himnarioe luterano en el retrato de dos catolicos?. La misión que tenía encomendada Dinteville, era la de intentar evitar la ruptura con el Vaticano,

La idea de la unidad de los cristianos, podría ser una de las motivaciones del cuadro, una unidad posible al amparo del espíritu renacentista que tan presente está en la obra.
La cuerda rota del Laud, simbolizaría que la desunión rompe con la necesaria armonía y hace imposible entonar cánticos, que para que haya música todas las cuerdas son necesarias.

Pinchandoa en este enlace, accederéis a una Web en inglés, que hace una minuciosa descripción del cuadro. Si usáis Google Chrome la cuestión del idioma la resolveréis sin problemas.


Virgen de Melun

Hace tiempo que no traigo al Blog ninguno de mis cuadros favoritos.
Voy a poner este de Jean Fouquet.  la  Virgen  de Melun.

La información técnica del cuadro la podréis ver en los enlaces de arriba, en esta entrada me limitaré a dar mi opinión como consumidor visual de arte.

Siempre me ha llamado la atención el contraste que hace con el fondo, el blanco predomina y centra la atención en el centro, sobre todo en el rostro de la supuesta Virgen.
Digo supuesta porque este cuadro es piadoso en cuanto que representa a una Virgen, pero profano en cuanto que es al parecer el retrato de Agnés Sorel, la amante del Rey Carlos VIII de Francia.
Podemos verla desde esas dos perspectivas, como la de una Virgen o la de una cortesana.

Me parece más interesante en este caso la visión de lo mundano, se hace difícil ver en este cuadro una representación piadosa de la Virgen María.

Me parece un cuadro que no tiene emoción, la expresión del rostro es fría, la ausencia de cabello le da un aspecto extraño e incluso hostil.
En el Renacimiento el cabello podría estar recogido con tocado, pero aun así se vería el pelo, como se puede apreciar en este tocado renacentista:


Sin embargo en este cuadro, esta desprovista de cabello  aunque no tiene porqué indicar nada, en el Renacimiento existe más libertad a la hora de elegir la estética personal.


Aquí hay otro retrato de Agnes:
Este cuadro;  pintado también por Jean Fouquet, tiene algo en común con el cuadro en el que representa a la Virgen, es su pecho izquierdo descubierto. Pero aquí su belleza es más natural, su expresión es más dulce,  es un retrato sin ninguna otra intención.

Sin embargo en el cuadro en el que está representando a una Virgen,  percibo más una intención de describir al personaje mundano,  por eso quizá la alusión a una Virgen "chirría" cuando la veo. 



En esta fotografía, observamos que el niño señala en una dirección y la mirada de Agnes señala hacia un lugar que vendría a ser en ambos casos a su abdomen.
¿Embarazada? Agnés tuvo varios hijos del Rey, de modo que no tiene porqué extrañar que así sea.
Es evidente que se trata de un retrato de Agnés, pero entonces. ¿Por qué el titulo del cuadro como Virgen de Melun?

Este cuadro forma parte de un díptico,  que el patrocinador; Stephen Knight tiene interés donar a la iglesia principal de Melun.



Me pregunto si se hizo el díptico con la intención de hacer una obra religiosa, o si la primera intención fue crear una obra profana,  y lo que iba a ser el retrato de una cortesana, se reutilizó como obsequio a la Iglesia.

Aún en el caso de que fuera una imagen de la Virgen, y fijándonos en el detalle del dedo del niño y la mirada de ella,  orientadas al abdomen que parece abultado,  no podría ser el niño Jesús, salvo que nos fuéramos a especular con la atención que en el Renacimiento se le dio a Juan el Evangelista niño por parte de varios artistas.


Un cuadro estupendo para disfrutarlo con todos sus interrogantes.
¿Virgen María o favorita del Rey?